PHILIPPE JAROUSSKY – MONTEVERDI-SARTORIO-ROSSI – LA STORIA DI ORFEO - 2017
BEAUTIFUL OSMOSIS OF MAN AND WOMAN IN DEATH
The first thing to say is that this “opera” is in fact the bringing
together, the merger of three operas by three composers, which enables the
director to distillate the characters to only two, the two essential ones and
nothing else except a chorus from time to time to tie up loose ends and
eventually give a comment. We thus only have Orpheus and Eurydice and that divesting
of the tale to such a simple and blinding architecture centers it on
love-love-love on one side and death-death-death on the other hand, and lusty impatience
in-between.
The first composer Claudio Monteverdi had chosen in 1607 to
have a tenor or high baritone for Orpheus and a soprano or castrato for
Eurydice. Luigi Rossi in 1647 had chosen a castrato or a soprano for Orpheus
and a soprano for Eurydice. Antonio Sartorio in 1672 had chosen on his side a
soprano, a castrato or a soprano-castrato for Orpheus and a soprano for
Eurydice. The present recording chooses to do what is logical and have a man
singing Orpheus and a woman singing Eurydice but the conductor chose to go back
to Handel’s tradition and have the main male hero, here Orpheus, sung by a
castrato, sorry for our changing times, a countertenor. I am prudent about this
information because Wikipedia is not clear and the information changes from the
English pages to the French pages when there is one such French page. But Diego
Fasolis makes the best choice he can make in modern times even if Handel is quite
later than the three composers used here.
This gives the third element that has to be brought up with
this recording. The two voices, Philippe Jaroussky for Orpheus and Emöke Baráth
for Eurydice is a phenomenal choice. The two voices are so close in color that
the whole recording is a constant intertwining of one voice onto the other, a
permanent merger of the two into some kind of osmosis producing the
multifarious ever running away and escaping of the male voice and the female
voice as if they tried to grow faster, each of them, to reach the sky faster,
first and yet the one that is one step ahead is always caught up by the other
in one instant. This perfect interweaving of the two voices together reminds me
of the solution Vincenzo Bellini used in his I Capuleti e I Montecchi, when he had a soprano for Romeo and another
soprano for Juliet, the two sopranos merging constantly in perfect love, though
both were female voices with female harmonics. Here we do have the different
harmonics of the male and female voices and we can always know which is which
but they are so close apart that we are swallowed up into a perfect and
absolute union, we are the voyeurs of this love and this union and this vocal
intercourse that is supposed to represent an exchange of a slightly different
physical nature.
When this is said – since we all know the story of
love-union-death-Hades-return-impatience-one-look-back-second-death-mourning – we
are surprised from the very start by the rather somber tone that unwrap itself,
a tone of lamentation more than joy, apprehension more than expectation,
depravation more than satisfaction. In the perfect union of love, the fear and
angst of death is dancing in the back of their minds, on the retinas of their eyes.
And the two voices, the two singers are so good to express these ambiguous
feelings that tend to go up and down, at the same time, to sing and to weep at
once, and that turn this love story into a Tenebrae and the drama waxes tragic when
Orpheus, the impatient lusty snake he is, looks back and kills Eurydice a
second time after saving her. No hope for Eurydice in this mortal world. There
can be no trust for Orpheus because he is a man, vain and overbearing, ready to
challenge any request from anyone to have his own end and his own end is
Eurydice’s second death. The idiot! I must say Jaroussky is a genius to express
these feelings and this psychology. He sings as if he had killed at least three
of his love partners already just with one glance back over his shoulder at the
exhausted partners entangled in the wrinkled sheets.
But the chorus is there to help you put the pieces together
and to draw the proper lesson, the right moral. Their last concluding contribution
even gives us some religious elevation.
“True love and steadfast loyalty
Must never hope for recompense
In an ever-changing world
Where all is so fleeting.
Heaven alone, immutable,
Can grant their just reward.”
And reward it is, just above all, my Orpheus, in the irony
of this chorus of this Heaven. After your dumb second killing of Eurydice you
have been mourning and hoping to have death as a punishment, as a recompense,
as the only way to be reunited with Eurydice at last and you can count on
Heaven to give you just that.
Love does not go very far on this planet since there is only
death to really unite two lovers forever. And imagine the two shadows meeting
down under in full darkness. Their union, their reunion, their fusion that will
produce no light, no real bliss, certainly not corporeal, is the irony of life
and death, love and separation, unity and love again that leads to nothing at
all. It sounds like the tragic drama of Berenice and her love Titus in Racine’s
tragedy of the 17th century, something like: “I love you, therefore
I die. I love you too, therefore I die too.” In Latin it would be as beautiful
as Descartes’ “Cogito ergo sum” and imagine the tragic drama of Pascal: “Cogito
etiam ergo etiam sum.” Excuse my legion dining hall Latin.
What else can be said? Just enjoy diving into this
multifarious maelstrom of black on black and white on white and red on red
since the two voices are just the similar two palettes, one left handed and the
other right handed, one feminine, the other masculine, but both just as anxious
about the impossibility to have anything lasting because death is the
retribution of the woman’s love and impatience is the curse of the man’s love,
though the man survives in mourning and bad conscience after the violation of
the woman. But you can always erase this blind alley of an end and have Orpheus
die on the spot. But that would make you a murderer. What’s left then is ecstasy
and bliss when these two voices drown our ears with beauty.
Dr. Jacques COULARDEAU
L’OSMOSE DU BEAU
À LA BEAUTÉ DANS LA MORT.
La première chose
qu’il faut dire c’est que nous avons là une véritable épure de trois opéras sur
le thème d’Orféo/Orphée. Une épure parce que seuls les deux personnages principaux
sont conservés avec le chœur pour faire un peu d’arrière-plan et de liaison. On
n’a donc qu’Orphée et Eurydice.
Claudio Monteverdi
en 1607 avait choisi pour ces deux personnages un ténor ou haut baryton pour Orphée
et pour Eurydice une mezzo-soprano ou un castrat. Luigi Rossi en 1647 a choisi un
castrat ou une soprano pour Orphée et une soprano pour Eurydice. Antonio Sartorio
en 1672 choisit quant à lui une soprano ou un castrat ou un castrat soprano
pour Orphée et une soprano pour Eurydice. Je serai cependant un peu prudent car
si on passe de la version anglaise de Wikipedia qui donne ces informations à la
version française, s’il y en a une, on a des résultats très différents. Le
choix le plus surprenant est celui de Monteverdi bien sûr, mais le choix de cet
enregistrement est autrement plus créatif. Il choisit la logique d’avoir un
homme pour Orphée et une femme pour Eurydice et en plus il choisit d’utiliser
une solution souvent utilisée par Händel : le héros mâle est tenu par un
contreténor (c’était bien sûr un castrat au 18ème siècle).
Le choix est donc
d’un contreténor, Philippe Jazoussky, pour Orphée et d’une soprano, Emöke
Baráth, pour Eurydice. Ce choix est judicieux car ces deux voix sont si proches
en coloration que l’on entend les duos comme deux lianes qui s’enroulent l’une
sur l’autre, l’une autour de l’autre et vice versa. Bien sûr que la voix
féminine n’a pas les mêmes harmoniques que la voix masculine, mais cette quasi
osmose de l’une dans l’autre est remarquable. Aussi remarquable que Roméo et
Juliette chantés par deux sopranos dans l’opéra de Vincenzo Bellini, I Capuleti e i Montecchi. Cette fusion
des deux voix que l’on distingue toujours comme différentes et pourtant comme
les deux faces d’une même page, d’une même pièce donne à cette histoire d’amour
en définitive trahie par l’amour lui-même une dimension d’une puissance sans
égal.
Le chœur est
alors comme un trait d’union entre les morceaux et les moments tout comme la
musique et ses ritournelles entre les strophes des arias. Ce chœur n’a donc pas
d’unité de ton car il peut personnaliser des ensembles différents : de
simples témoins des événements, mais aussi le chœur grec de la morale, de la
réflexion parfois sombre, mais aussi le deuil pour la mort d’Eurydice et une
conclusion religieuse à la fin de ce montage :
« L’amour
sincère et fidèle
Ne doit espérer
nulle rétribution
Dans le monde
changeant d’ici-bas
Où tout est éphémère.
Seul le Ciel toujours
constant
Peut lui offrir
la récompense méritée. »
Et cette conclusion
sonne comme plus qu’ironique car c’est – comme tout un chacun le sait puisque
tout le monde connait l’histoire – l’impatience amoureuse d’Orphée qui
provoquera la deuxième mort d’Eurydice et en plus ce pauvre Orphée, trop
amoureux pour être sensé, vient juste de souhaiter la mort et c’est
probablement la seule récompense qu’il peut avoir du Ciel, une récompense en forme
de mort, donc de punition car l’amour de deux morts dans le monde souterrain ne
semble pas très prometteur de plaisir et de satisfaction. C’est un peu comme la
tragédie de Racine Bérénice, la
tragédie où rien n’arrive, rien ne se passe, et Orphée et Eurydice seront à
jamais unis : « Je vous aime donc je meurs ! Je vous aime aussi
donc je meurs aussi ! » et toutes les variations possibles sur deux
ombres qui s’enlacent sans jamais produire la moindre lumière, le moindre
plaisir, la moindre et plus minuscule extase si ce n’est en fumerolles.
Et c’est bien ce
ton que l’on a du début à la fin comme si l’amour, le mariage, l’union n’était
que le prélude à la frustration totale par la mort d’Eurydice et par la trahison
d’impatience d’Orphée. Et sur ce registre de l’amour satisfait dans sa propre
trahison les deux voix sont parfaitement complémentaires dans les variations de
lamentations, de deuil, de crainte, de désir, de frustration et autres
évocations de la mort promise, de la mort soumise, de la mort triomphante, de la
mort quasi vengeresse.
Que dire de plus
que cela. Une épure de ce genre donne au drame lui-même une densité que rien et
personne ne peut distraire ou détourner. Entrez donc dans ce drame et
jouissez-en tragiquement car il n’y a pas d’autre chose à faire que de chercher
l’extase dans le plaisir de deux voix qui nous élèvent vers le ciel de l’amour quoi
n’est en fait qu’un enfer et ne peut pas être autre chose car c’est bien la
promesse de ce ciel que la mort est le seul moyen pour deux amants de vraiment
se réunir une fois pour toutes. Et essayez de démêler les deux voix si vous le
pouvez et de trancher – le vilain mot – dans le vif pour savoir si l’une ou l’autre
est plus belle, plus expressive que l’autre. Et si vous réussissez à trouver
celle qui est plus blanche que l’autre ou plus noire que l’autre ou plus rouge
que l’autre quand on sait que les deux sont blanches, noires et rouges de façon
absolument égale, je vous souhaite bon voyage et bonne chance.
Dr. Jacques
COULARDEAU
# posted by Dr. Jacques COULARDEAU @ 3:32 AM